Mr. & Mrs. Smith (2005)

En esta espectacular comedia de acción, Brad Pitt y Angelina Jolie Voight son muy codiciados sicarios que trabajan para diferentes empleadores. Cuando se conocen, las chispas sexuales inmediatamente saltan al inusitado extremo del idilio y, oh tabú de la profesión entre rivales, el matrimonio --por otra parte, lo que se espera que suceda entre Brad y Angelina, quienes se conocieron en el rodaje, casi flamantes marido y mujer al pergeñar esta nota. El problema entre el rudo John y la sofisticada Jane: al cabo de cinco o seis años de relación, todavía ignoran qué es lo que el otro/la otra realmente hace para ganarse el sustento; el descubrirlo podría costarles no sólo el amor, sino también la vida. Se trata de una satisfactoria metáfora, con un par de superestrellas protagonistas ideales --cuyo oficio es incuestionable, juntos y por separado-- que logran trascender la momentánea diversión de sobremesa. 4/5

Peggy Sue Got Married (1986)

Un conmovedor e íntimo viaje en el tiempo es lo que propone el director de The Godfather en esta película estelarizada por una sublime Kathleen Turner. Lejos de las espectaculares características originadas en la ciencia-ficción de Back to the Future (1985), se trata de una experiencia cinematográfica en la cual el pasado se torna suficientemente elástico y se estira dentro de unos cuantos segundos, una segunda oportunidad que transforma la vida al menos virtualmente y deshace cierta esencia trágica de nuestra existencia en espejos oníricos donde el reflejo invertido del yo es más sabio o menos irreflexivo sin dejar de ser humano. Así es que Turner regresa a la escuela, a su familia, a su noviazgo con Nicolas Cage (también en una de sus mejores interpretaciones) y a sus ilusiones de adolescente, no con el cinismo de quien ya vivió el futuro, sino con una consideración insustituible de lo precioso que es el presente. El soundtrack combina al líricamente emotivo John Barry con bandas post-Elvis (en el servicio militar) y pre-Beatles como Fabian o Dion & The Belmonts. Además de los excelentes protagonistas, en el reparto podemos reconocer, entre otros, a Jim Carrey, Maureen O’Sullivan, John Carradine y el subestimado Barry Miller, uno de los actores clave de los ‘70s. En fin, se trata sin duda de un logrado film de época y de aquel subgénero tan venido a menos hoy como es el de las women movies --se podría decir que Peggy Sue representa en la carrera de Coppola lo que Alice Doesn’t Live Here Anymore en la de Scorsese. 4/5

Cantinflas (2014)

A Roberto Gómez Bolaños

En esta nota enfrentamos un fracaso a la vez lamentable y valioso, porque la biografía de una de las figuras culturales más significativas de México e Hispanoamérica ha inspirado una mediocridad innegablemente emotiva, un filme muy irregular y demasiado fallido que, sin embargo, aquí y allá y de pronto, parece contener algo asombrosamente recóndito extraído del alma de su protagonista. Igual que el intérprete de Gainsbourg (Vie héroïque) --otra equivalente oportunidad perdida que, valgan verdades, era mucho menos representativa de la vivencia humana de su héroe que la suficientemente realista cinta que estamos comentando--, Óscar Jaenada, el galardonado actor español que tantos repudiaron a priori como el elegido para encarnar a Mario Moreno, es la clave de la inesperada verdad que encontramos en este rumbo epidérmico aunque bienintencionado, irresistible en su errática nostalgia. Es la suya una meritoria labor, y la razón principal por la cual Cantinflas funciona en medio de sus tropiezos, desaciertos y mezquindades --pero no la única razón. Pese a todo --Around the World in Eighty Days (1956) no es en realidad la cima de su carrera, la realización de Sebastián del Amo abusa de planos de relleno como los que muestran una y otra y otra vez las reacciones del público, el melodrama obviamente telenovelesco y la caricatura tan mala que resulta olvidable cunden por cada metro de película--, Cantinflas es el merecido objeto de un oportuno aplauso y recuerdo (a más de 100 años de su nacimiento), abundante en ecos del Art Deco, de las biopics tipo Citizen Kane, de los cameos inventados por Mike Todd en toda una procesión del glamour del cine clásico mexicano --pero hay que ver a esa irreconocible María Félix, por no mencionar a nadie más! Un homenaje, insistimos, que finalmente conmueve y promueve la revisión de una obra genial como pocas. 3/5

 

Maps to the Stars (2014)

En su primer film rodado en los Estados Unidos, David Cronenberg lleva a cabo una radiografía moral de Tinseltown en la misma vena sin concesiones de un género que puede jactarse de algunas de las más honestas producciones del cine, desde Sunset Boulevard hasta Mulholland Drive. El elenco de Maps to the Stars es, adecuadamente, casi una constelación de la escena contemporánea: Robert Pattinson (el protagonista de Cosmopolis) es un chofer de limusinas que transporta a (la excelente) Mia Wasikowska, una desfigurada muchacha que llega a ver las estrellas, pero también a sus padres, John Cusack (un terapeuta de los ricos y famosos, además de, acaso, uno de los peores progenitores concebidos para el ecran) y Olivia Wilde, y a su hermano menor, Evan Bird, insoportable producto de la fama a la Disney Channel; la madura Julianne Moore, entretanto, es una actriz tipo Sinatra iniciando los 50 cuyo clamor por un From Here to Eternity propio la enfrenta, inevitablemente, con el fantasma de una madre abusiva e incestuosa y mucho más célebre que su atormentada hija. De hecho, este mapa a las estrellas del vano olimpo hollywoodiense es una cartografía más viva que el ambiente deshumanizado, arquitectónicamente perfecto, en el cual se basa, un cementerio donde los recuerdos más profundamente traumáticos y la crueldad más demencial e íntima hacen su tonante lugar callado, susurrante, su miserable reino en llamas. 4/5

Annabelle (2014)

Ya que James Wan (autor de la prototípica Dead Silence) es algo así como el Christopher Nolan del género de horror contemporáneo, no puede extrañarnos que haya querido ofrecernos una génesis, un origen, un Conjuring Begins. Por otro lado, más despistados que de costumbre, muchos críticos profesionales han errado la marca: la exitosa película de la muñequita diabólica no es “menos buena”, sino diferente. La titilantemente atmosférica Annabelle es un digno (si un tanto modesto) ejemplo del style-over-substance consagrado por maestros como Mario Bava o el Roger Corman del ciclo Poe (in a kingdom by the sea), y su abanico de referentes --desde Rosemary’s Baby (su contextualización junto con los crímenes de Charles Manson incluida) hasta The Omen, para mencionar solamente el filón del Anticristo-- no la convierte en un pastiche frustrado, más bien en otra muestra --como, en otro género, aquel recordado, kubrickiano Birth, de Jonathan Glazer-- de las aún ricas posibilidades imaginativas del celuloide. 3/5

All This, and Heaven Too (1940)

Este muy notable melodrama romántico originalmente escrito por Rachel Field y dirigido por Anatole Litvak para Warner --una de las compensaciones a Bette Davis por su fallido intento de protagonizar Gone with the Wind (1939)-- es una suerte de versión francesa de Jane Eyre (que, claro está, también inspiró Rebecca, del mismo año) basada en hechos reales: una mujer joven (Davis, en desacostumbrado rol de inusual fuerza moral e interior) arriba al hogar, destruido por los celos y el mal amor (incorporados ambos por una excesiva Barbara O’Neil, irreconocible madre de Scarlett O’Hara), de un duque (el atormentado Charles Boyer) y sus cuatro pequeños hijos, para trabajar como institutriz, en la era post-napoleónica de Victor Hugo. Por supuesto, la loca del desván es aquí un fantasma diabólicamente vivo y libre, cuyas intrigas no sólo provocarán el silencio de un idilio prohibido --comparable en aquella cualidad al de la aún más extrema (empero no interclasista) The Remains of the Day (1993)--, sino también la consumación del destino aciago de una familia, mientras se derrumba otro régimen monárquico, y del de una inocencia marcada por un cierto signo de Caín… aunque todavía podría vislumbrarse una esperanza hacia el final del camino. Excelentes actuaciones de Davis y Boyer como la pareja de amantes frustrados, en una realización de visos adecuadamente góticos que sabe aprovechar particularmente el encanto de su reparto infantil (June Lockhart, Virginia Weidler, Ann E. Todd y el angélico Richard Nichols) --de otra parte, las inicialmente maliciosas niñas de la escuela, que dirigen su crueldad a la indefensa nueva maestra, son lideradas por Ann Gillis. La figura del generoso e irónicamente cuasi-donjuanesco pastor es compuesta por un típicamente comedido Jeffrey Lynn. Emociones aseguradas en una producción de probablemente vasta influencia. 5/5

Creator (1985)

Escrita por Jeremy Leven, la historia que este film narra posee el mismo tono mágico de la más conocida Don Juan DeMarco (1995); la dirección --de Ivan Passer-- y el reparto, así como la concisa pero adecuadamente íntima partitura musical, confirman su carácter decididamente entrañable. Aquí tenemos también dos generaciones que se cruzan vivencialmente, inspirándose más mutuamente que en el caso de Brando y Depp citado: un venerable y excéntrico científico (interpretado por otro de los grandes, el encantador Peter O’Toole), sumergido en la utópica empresa de reproducir artificialmente a su esposa fallecida hace un cuarto de siglo, entabla una relación amical con su joven asistente (Vincent Spano, el co-protagonista de Baby, It’s You), con quien compartirá una lección excepcional acerca del amor y de la vida. La nueva Dulcinea de O’Toole (quien fue Don Quijote en Man of La Mancha y, no sin razón, aquí llama Sancho a Spano) es Mariel Hemingway, asimismo en actitud autorreferencial, casi parodiando sus exitosos roles en Personal Best y Manhattan --lo único reprochable podría ser la falta de cierta química entre ambos actores; mientras que la otra damisela en cuestión es Virginia Madsen, una de las musas eróticas de aquella década. Se trata, en suma, de una amable joyita, de visionado obligatorio para los fans del prolífico Lawrence de David Lean. ***/*****